Lo irracional es utilizado para deslumbrar con efectos experimentales e imágenes de una potente carga simbólica, de tal manera que la ambientación claustrofóbica que genera la isla, despoblada fuera de la temporada vacacional, y el paisaje desértico, entre lo místico y lo mágico, se corresponden con el alma desolada de la protagonista. La fuerza visual relega al diálogo a un segundo plano, que se vuelve banal, escaso, intrascendente.

Si bien el desenlace resulta sorprendente, acorde con la visión subjetiva predominante, el último tramo de la película acaso se observe un poco forzado, con situaciones que redundan en lo casual.
La película peca del tópico femenino que muestra mujeres que sólo encuentran su realización en la maternidad. Así, se muestran mutiladas, incapaces de rehacer sus vidas, viviendo en la continua sombra de haber perdido un hijo o de no haberlo tenido.

A pesar de que el resultado no sea completo, y la mezcla de los elementos dispares ya indicados (detectivescos, del thriller psicológico y del surrealismo) no llegue a convencer del todo, Hierro es una película interesante, por su buen hacer técnico y por su eficaz fuerza visual; una fuerza visual que sólo desmerece cuando queda arrinconada por la necesidad de solventar el argumento. De ahí su principal carencia: la contención de lo simbólico y de lo experimental acaso por no arriesgar y llegar a un espectro mayor de público.

Ficha

Título: Hierro
Título original: Hierro
Dirección: Gabe Ibáñez
Duración: 91 min.
Género: Thriller, Intriga
Reparto: Elena Anaya, Hugo Arbues, Jon Ariño, Miriam Correa, Tomás del Estal, Andrés Herrera, Javier Mejía,

Autor: Óscar Casado Díaz

Con unos personajes carismáticos, muy bien caracterizados, las peripecias del señor Fox exceden toda fábula moral, consiguiendo una narración fluida, muy bien guiada por el acompañamiento de una excelente banda sonora que enfatiza escenas y confiere a la película de un ritmo ágil, que no llega a decaer en ningún momento. Si a esto le sumamos un cuidado minucioso por los detalles, un destacado doblaje, la hábil utilización de rótulos, los llamativos efectos de cámara o los continuos guiños al espectador o espectadora, El Fantástico Señor Fox se torna una película sumamente original y entretenida, alejada de la mayor parte del cine de dibujos comercial, previsible y plagado de tópicos.

Con un tono humorístico, el enfrentamiento entre humanos y animales alcanza una cierta dimensión simbólica, oponiendo el instinto natural a las pautas socioculturales; la independencia al compromiso familiar. En esta reivindicación de la diferencia, donde el anhelo de libertad termina por conjugarse con la amistad y la ayuda comunitaria, los animales acaban por mostrarnos cómo el ingenio y la superación personal son la mejor capacidad adaptativa y, por consiguiente, nuestra mejor arma para superar la adversidad.

En definitiva, El Fantástico Señor Fox es una película entretenida, dotada de una narración dinámica y un humor inteligente y bien trazado que, sin destacar demasiado en aspectos particulares, sobresale y convence en su conjunto.

Autor: Óscar Casado Díaz

Dos años antes, cuando Ub y Walt estaban intentando buscar un reemplazante para el personaje de Oswald, Iwerks había diseñado una rana antes de crear a Mickey Mouse. Mientras desarrollaba sus borradores, Powers y Iwerks tenían la esperanza de que La Rana Flip se convirtiera en la nueva estrella del mundo de la animación. Sin embargo, el primer corto de Flip titulado “Fiddlesticks” (1930), resultó ser bastante mediocre. Si bien está increíblemente bien animado, era demasiado plano como para llamar la atención. Curiosamente, Flip quien aparece tocando un piano, es acompañado por un ratón que toca un violín, el cual se parece bastante a Mickey (lo que probablemente enfadó bastante a Disney, que era precisamente el objetivo de Iwerks). El corto guarda bastantes semejanzas con el corto protagonizado por Mickey titulado “Fiddlin´About” (1930), por lo que uno no podría saber a ciencia cierta quien lo robó la idea a quien. Sin embargo, lo que si resulta ser interesante es que “Fiddlesticks” es el primer dibujo animado a color, y el ratón que aparece está usando pantalones rojos. Mickey Mouse no utilizaría pantalones rojos hasta su primer corto a color titulado, “The Band Concert” (1935), el cual sería estrenado cinco años después.

Ub Iwerks se las había arreglado para vencer a Disney en el ámbito de la utilización del color en el campo de la animación. Él sabía que Walt había firmado un contrato exclusivo por dos años con Technicolor, lo que obviamente le otorgaba una ventaja comercial. La paleta de colores que utilizaba Iwerks era limitada, pero de todas formas era funcional y agradable a la vista. Sin embargo, cuando Powers intentó vender el primer corto de Flip a la MGM, estos se quejaron del alto costo del film. El segundo corto de Flip, “Puddle Pranks” (1930), fue igual de mediocre que el primero, y además había sido realizado en blanco y negro debido al alto costo que significaba filmarlo a color. Fue entonces cuando Powers sintió que Flip no estaba dando los resultados deseados, y le exigió a Iwerks que rediseñara al personaje para que este se viera más humano. Tras algunos cambios, Flip terminó pareciéndose bastante a Mickey Mouse. Cuando se estrenó su tercer corto, “The Village Barber” (1930), Flip se veía bastante más humano, lo que encantó a los ejecutivos de la MGM quienes compraron la serie.

Gracias a esto, Iwerks pudo contratar a un buen número de talentosos animadores. Entre ellos se encontraban Bugs Hardaway, quien posteriormente se encargaría de las historias de los cortos animados de la Warner; y Grim Natwick (el diseñador de Betty Boop), quien había trabajado en los Fleischer Studios. Natwick era uno de los animadores más respetados de la industria, al punto que Roy Disney había intentado contratarlo para reemplazar a Iwerks. Al estudio de Iwerks además llegaría Carl Stalling, quien había sido el responsable de la serie “Silly Symphonies” de la Disney, y que había dejado los Van Bueren Studios para reunirse con su viejo amigo. Entre otros de los talentos que trabajaron en los estudios de Iwerks se encontraban Frank Tashlin, Steve Bosustow (quien más tarde fundaría los estudios UPA), el ingeniero de sonido Glen Glenn, los futuros guionistas de la Warner, Cal Howard y Earl Duvall; y los futuros guionistas de la Disney, Ted Sears y Otto Englander. Como dato curioso, Chuck Jones tendría su primer trabajo en el mundo de la animación al interior del estudio de Iwerks, lavando las hojas de celuloide (lugar del cual más tarde sería despedido).

Iwerks era un hombre al que le gustaba realizar innovaciones técnicas, y la MGM se preocupó de darle una buena cantidad de dinero para que este diera rienda suelta a su imaginación. Tras la Disney, la MGM fue el estudio que más dinero gastó en el negocio de la animación en aquella época. Lo que logró que las obras de Iwerks se distinguieran del resto de los dibujos animados, fueron sus toques de humor adulto y su gran calidad técnica. Por ejemplo, en el corto de Flip titulado “Room Runners” (1932), se incluye algo de desnudez, mientras que el corto “The Office Boy” (1932), básicamente se centra en el número de veces que el trasero de una secretaría puede ser utilizado como elemento humorístico. En “Chinaman´s Chance” (1932), Flip se droga con opio al mismo tiempo que la película es filmada utilizando un efecto que pretende dar a entender que Flip está totalmente drogado. Pese a que los cortos eran inteligentes y tenían un estilo bastante llamativo, los espectadores no mostraban demasiado interés por Flip. Pese a que la partida de Iwerks había afectado directamente la calidad de los cortos de la Disney, para fines de 1930 el estudio se había recuperado amenazando el reinado temporal de Iwerks. Pese a que la serie de la Rana Flip estaba obteniendo ganancias, estas eran tan insignificantes que el estudio decidió cancelar la serie. La última aparición de Flip sería en el corto “Soda Squirt” (1933).

Iwerks se percató que debía centrarse más en la historia de sus cortos, que en los gags que estos presentaban. Fue entonces cuando presentó a un nuevo personaje: Willie Whopper. Grim Natwick diseñó a Willie, un niño con una imaginación bastante activa. Su primer corto, “The Air Race” (1933), sería el mejor de la serie, y presentaba la predilección de Iwerks por las “bromas mecánicas” y el humor adulto. A diferencia de Disney, Iwerks no creía en la autocensura. Sin embargo, “The Air Race” sería estrenada recién en 1936, bajo el título “Spite Flight”. A Powers no le importó demasiado el personaje, y sentía que debía ser gordo para causar simpatía. Para cuando se estrenó el tercer corto, “Stratos-Fear” (1933), Willie era gordo. Iwerks no estaba demasiado satisfecho con la serie de Willie Whopper, por lo que decidió comenzar con una nueva serie llamada “ComiColor Cartoons”. Esta serie no tendría un personaje protagónico, y sería meramente experimental. Para filmar los cortos de la serie, Iwerks firmaría un contrato con Cinecolor, empresa que le permitía filmar los cortos con colores más vibrantes. El proceso de Cinecolor también fue utilizado en la serie de Willie Whopper, comenzando con la bizarra “Hell´s Fire” (1934).

“The ComiColor Classics” fueron los mejores dibujos animados realizados por los estudios de Iwerks. La serie comenzó con el corto dirigido por Grim Natwick, “Jack and the Beanstalk” (1933), al cual le seguiría “The Little Red Hen” (1933). Pese a la tendencia de Iwerks y sus animadores de incluir estereotipos raciales, gran parte de los cortos de la serie eran realmente impresionantes. Entre algunos de los mejores cortos de la serie se encuentran: “The Brementown Musicians” (1935), “The Brave Tin Soldier” (1934), “Puss in Boots” (1934), “Jack Frost” (1935), y “Balloon Land” (1935). Cuando realizó “The Headless Horseman” (1935), Iwerks desarrolló una cámara multiplano para darle más profundidad a los dibujos animados. Iwerks siempre estuvo más preocupado de las innovaciones técnicas que de las historias o la animación en sí, por lo que generalmente era Natwick quien se preocupaba de animación de los cortos del estudio. Para mediados de la década del treinta, la MGM ya no estaba impresionada con el trabajo de Iwerks, por lo que decidieron romper todas las relaciones comerciales con el animador. Ub se vio forzado a cerrar el estudio, pero junto con Grim Natwick y otros animadores formaron la Cartoon Films Limited.

Natwick dirigió algunos films como por ejemplo “See How They Won” (1936), antes de ser contratado por la Disney, mientras que Iwerks fue subcontratado por Leon Schlesinger para dirigir dos cortos de la Warner: “Porky and Gabby” (1937) y “Porky´s Super Service” (1937). Iwerks aparentemente despreciaba a Porky como personaje, por lo que Chuck Jones y Bob Clampett tuvieron que terminar ambos cortos. Iwerks seguiría obteniendo trabajos esporádicos, y en 1940 incluso llegó a trabajar para Charles Mintz en la Columbia, en cuatro episodios de la serie “Color Rhapsodies”. En Inglaterra, Iwerks dirigiría tres cortos protagonizados por Gran´Pop Monkey, personaje creado por el ilustrador Lawson Wood. Más tarde aceptaría un puesto como profesor en la Ray Patin Animation Training School (cuyo fundador había trabajado para Iwerks como animador). Muchos de los animadores contemporáneos a Iwerks pensaban que él se estaba perdiendo como profesor; Hugh Harman llamó a Roy Disney para preguntarle si estaría interesado en tener a Ub de vuelta en el estudio. Al poco tiempo después, Iwerks sería contratado para encabezar el departamento técnico del estudio. Él estaría a cargo de los efectos especiales de las animaciones, de la cámara multiplano que la Disney había desarrollado en 1937, y de combinar agua real con animación en la tormenta que se ve en la cinta “Bambi” (1942).

Durante la Segunda Guerra Mundial, cuando Disney estaba realizando dibujos animados para el gobierno, Iwerks dirigiría cintas de entrenamiento como por ejemplo “Stop That Tank: The BOYS Anti-Tank Rifle” (1942), y “Victory Through Air Power” (1942). Esta última no solo aprovecharía el extenso conocimiento que Iwerks tenía acerca de los variados modelos de aeronave, sino que supuestamente también influiría en la decisión del presidente Roosevelt de contar con apoyo aéreo durante el Día-D. Iwerks amaba realizar tareas técnicas e inventar nuevas tecnologías aplicables a la animación. Para el corto “Saludos Amigos” (1944), Iwerks refinó el método que permitía combinar personajes animados con acción real. Como encargado del Departamento de Impresión Óptica de la Disney, entre otras cosas creó una nueva impresora óptica que sería utilizada en la realización de “The Three Caballeros” (1945).

Además de realizar los efectos de las cintas “Melody Time” (1948) y “Cinderella” (1950), Iwerks realizó las siguientes acciones al interior de la Disney: creó los efectos ganadores del Oscar de la cinta “20.000 Leagues Under the Sea” (1954); creó un proceso que permitía filmar en 360 grados el cual fue llamado Circarama; ayudó a desarrollar un sistema de 3-D utilizado en dos cortos del estudio; creó un proceso que utilizaba vapor de sodio el cual permitió que Hayley Mills apareciera como gemelas en la cinta “The Parent Trap” (1961); desarrolló un proceso que permitía que los personajes animados se trasladaran del fondo al primer plano, el cual fue ampliamente utilizado en “Mary Poppins” (1965); y trabajó en los efectos especiales de la cinta de Alfred Hitchcock, “The Birds” (1963), a petición del mismo Hitchcock, entre otras cosas. Iwerks y Walt Disney volvieron a ser amigos, y desarrollaron una real admiración y respeto el uno por el otro. Ub incluso reconoció que Mickey no hubiese tenido éxito sin la habilidad narrativa y comercial de Disney. Cuando Walt Disney murió de cáncer al pulmón un poco antes de la Navidad de 1966, Iwerks declararía: “Este es el fin de una era”. Ub nunca se retiró, pero disminuyó gradualmente su cantidad de trabajo hasta el día que falleció de un ataque cardiaco en 1971, a los 70 años de edad. En 1989, la Walt Disney Company reconoció oficialmente que Ub Iwerks había sido el verdadero diseñador de Mickey Mouse, y le otorgó el primer Disney Legends Award. Hoy en día pese a que su trabajo fuera de la Disney por lo general es considerado como una obra menor en su carrera, su legado sigue vivo, razón por la cual es considerado como uno de los animadores más importantes de toda la historia de la industria de la animación.

Autor: http://cinemauniverse.blogspot.com

CRÍTICA

El firmante de dos notables Thrillers con Joaquin Phoenix, me refiero a James Gray, como “La otra cara del crimen” o la más actual “Cuestión de sangre” repite con su actor fetiche acompañado por Gwyneth Paltron que hace doblete en cartel tras la segunda parte de Iron Man.

Adulta, sincera, honesta, apabullantemente hermosa, un estreno que llega con más de un año de retraso, que pasara desapercibido en su país de origen, nos transporta al universo sentimental de la pareja excepcionalmente explorado. Las interpretaciones magistrales de todo el reparto. Phoenix puede salir vestido igual que Jesucristo en televisión y decir que deja el mundo de la interpretación por la música, tal vez esté completamente loco o sea literalmente un imbécil. No lo niego, sin embargo es ponerle un buen guión por delante y todos tenemos que callarnos pues estamos ante uno de los intérpretes más talentosos del Hollywood actual. Sin duda esta maravilla se puede considerar la obra maestra del año.

Un hombre atormentado que se lleva por delante todo lo que le rodea, nunca elige bien pues una cosa es pensar con la cabeza y otra dejarse llevar por lo que dicta tu corazón. Historia sencilla de amor a tres bandas en su concepción, maravillosa en su planteamiento. Gray es apabullante en cada plano fijo sobre las emociones a flor de piel, el contraste de una fotografía azulada se adentra en la psicología de unos personajes extraordinariamente humanos. Los diálogos se recitan con maestría en cada nuevo invite y la banda sonora acompaña con notas suaves los vaivenes emocionales de la cinta.

Elegante en todos los sentidos y ambigua en según qué partes de la trama, nos encontramos con nuestros miedos, renuncias, pasiones e incluso con la hipocresía adherente a nuestra fragilidad humana, todo ello con la naturalidad de un trozo de vida en celuloide. ¡Qué gran cineasta está naciendo! Gray apunta a ser un nuevo nombre mítico dentro del cine más adulto y anti artificial.

Ficha

Título original: Two Lovers
País: USA
Estreno en USA: 13/02/2009
Estreno en España: 14/05/2010
Productora: 2929 Productions
Director: James Gray
Guión: James Gray & Ric Menello
Reparto: Joaquin Phoenix, Gwyneth Paltrow, Vinessa Shaw, Isabella Rossellini, Elias Koteas, Moni Moshonov.

Autor: http://elblogdepons.muchocine.net/

Con un comienzo videoclipero, más que nada, por su estupenda música y ese paseo en coche hasta la ciudad de la madre, en plan indie. Una primera toma de contacto con el barrio de la madre, un poco, que hago aquí y que pasa a mí alrededor. Y por supuesto, el primer apretón en el guión y lanzadera de paso para Salvage. Todo esto, sin contar con otros minutos por ahí sueltos… Dicen de Salvage que es un producto independiente, pero nada más. Inimaginable lo que nos espera.

Un presupuesto bastante escaso para rodar y contando con los escenarios prestados de una telenovela. Lawrence sabe desenvolverse como pez en el agua. Nos sucumbirá y llenará los ojos de estupendas secuencias, conseguirá que nuestros músculos se contraigan por la tensión, la incertidumbre y ese primer shock de no saber donde te encuentras. Nos mantendremos durante mucho tiempo en alerta, en silencio sepulcral, pensando que cojones está sucediendo, y siendo testigos sorprendentemente a la vez, de testimonios que dejan patente que el ser humano puede llegar a ser una persona muy vil. Una mezcla de terror y problemas sociales, tan sorprendente, como acertada. Incluso, le vale a su director para engañarnos durante unos minutos, y llevarnos por otros campos donde la mente comience a divagar sin saber su rumbo final.

Pero metidos de lleno en plena orgía de desconcierto, sangre y llantos. Y pasados unos buenos minutos de auténtico cine, no hay mejor manera de expresarlo. Comenzará a aclararse lo que realmente está sucediendo. Momento crítico, ya que hay que reorganizarse mental y físicamente (tarea difícil) para poder ahora, estar realmente preparado ante el auténtico problema de la historia. Entonces, nos cogemos más que nunca a la mano de Beth (Neve McIntosh) eje principal de la trama y suyo el papel de mayor peso, que deberá encontrar a su hija Jodie (Linzey Cocker) lo antes posible, y ponerla a salvo, si no ha sido tiroteada o despiezada con anterioridad. Jodie, por cosas de la vida, estará en la casa de la vecina, lo que hace más difícil aún su rescate.

Extasiados, abatidos, dañados y habiendo perdido prácticamente la partida, llegamos a su tramo final, donde ya no es nada lo que parece. Toda esperanza ha desaparecido, ya da igual lo que ocurra. Ese momento cuando la mente está nublada y tiene fácil el decir una cosa u otra. Cuando ha quemado o exprimido su última neurona por superar y entender lo que le rodea sin resultado satisfactorio alguno.
Recordando, pensando en ella unos días después de su visionado, se me vienen la mente momentos tan buenos, como un golpe supuestamente en la parte de arriba, una cocina destrozada por completo, el sonido de un pis, silencio y más silencio, y caras y gestos de verdadero terror. Todo esto son un conjunto de cosas que convierten a Salvage en una película a tener muy en cuenta. Su director y guionista se lo han currado y mucho.

Salvage es toda un sorpresa cinematográfica que hace tanto al degustador de cine de terror, como al devorador de buenos dramas, deleitarse durante una hora y cuarto de un cine directo y real. Salvage esta viva, come por si sola, te enseña como cualquier profesor y por último, decide ella misma su final.

País: Uk
Año: 2009
Duración: 81 min
Director: Lawrence Gough
Guión: Colin O’Donell
Reparto: Neve McIntosh, Linzey Cocker, Shaun Dooley

Autor: Impatient man